きれいに整った部屋……だけどそこになにか物足りなさを感じた時、植物を加えてみると部屋に生き生きとした気配が漂いはじめます。けれども、まめに世話できるかわからないとためらう人も多いのではないでしょうか。 今回は個性豊かな姿かたちに心動かされ、同じ空間にいると気になって日々眺めてしまうような植物を紹介します。

傷がついていたり、途中で枯れかかったり、それでも生き抜いてきたたくましい多肉植物やサボテンたち。そうした個性ある植物を、その魅力を引き立てる器とともに提案するのが、「叢（くさむら）」の小田康平さんです。小田さんは陶芸家がつくる器を鉢に用いた提案も多く、現在は陶芸家の寒川義雄さんとコラボレーションした展示会『叢 - 器を纏う - 』をシボネ青山にて開催中です。

同じ広島を拠点にする小田さんと寒川さん。以前から花器も制作し、自身でも花を活ける寒川さんが、小田さんのアーティスティックな新しい植物の提案に興味をもったことから、2人のコラボレーションはスタートしました。植物と鉢とのコーディネートに定評のある叢ですが、「普段、僕の意識のなかで鉢のウェイトは1％くらい。植物の足を引っ張らない色やかたちの植木鉢を探してきます。それが陶芸家とコラボレーションするときは植物と鉢のバランスは50:50くらいになる」と小田さんは言います。

今回は寒川さんの鋭利で繊細な器に対し、トゲが特徴的なサボテンを多く選んだとのこと。マットなテクスチャーの器が、乾いた地域を原産とするサボテンの背景を引き立てます。またシャープでモダンなフォルムで植物たちの豊かな個性はさらに高まり、それぞれが自らのキャラクターを主張しはじめるかのようです。

そんな植物たちを眺めながら寒川さんは、「植物と鉢の組み合わせは、料理の盛りつけに近いのかも。自分の器が別の表情になるのがおもしろい」と小田さんのセレクトには抜群の信頼を寄せます。今回の鉢合わせはすべて小田さんによるもの。多種多様な器で、植物の魅力をより強く引き出していきます。たとえば、表皮が枯れて色が抜けた株元に見どころがある個体には口が広がった器を合わせて、見どころとなる背景をつくります。また、丈のある植物には高さがある鉢を合わせることでバランスを見ます。

今回の展示では、照明器具や陶板など、植物を部屋に飾るためのしつらい道具もともに提案されています。小田さんが「Kekkai」と呼んでいる照明具は、もともと窓がない室内でも光合成ができるよう、木製のフレームに照明を仕込んだものです。植物に直線的に光が当たるよう設計されているため、夜になるとまるでショーケースに入ったアートピースのように、美しく浮かび上がります。

「本当は白いすっきりした空間に植物をぽつんと置くのがかっこいいけれど、家ではなかなか難しい（笑）。でも夜、照明を落として、これだけを灯すと雑多な背景が消える。それを眺めながら、植物や空間を楽しめたら最高です」

また、鉢の下に敷く陶板も寒川さんが制作。花を活ける時に板を敷くのと同じように、陶板を取り入れ、鉢とのコーディネートを考えるのも楽しそうです。板は古材を用いる感覚で、オブジェやヒビの入った陶板を転用。「食器と違い、縛りがなく自由な感覚で遊べたのが楽しかった」と寒川さんは手応えを語ります。

植物を入れる鉢にこだわるのも、飾るための道具に気をつかうのも、ともに暮らす植物に目を向けて欲しいからこそ。「買った時が一番ではなく、生き生きと生長するさまを愛でてほしい」と小田さんは言います。そのためには、光と風と温度がある植物にとって良い環境に置き、適切に管理することが大切。小田さんは植物の見せ方の提案にまで踏み込むことで、管理する人の関心を高めようとしているのです。

「叢」のお客さんには、「うちの子」と呼んでかわいがる人も多いのだとか。確かに、個々にまつわるストーリーを聞き、ぴったりあつらえた衣服のような器に仕立てられた植物と暮らしていたら、愛着もひとしおでしょう。インテリアのいち要素として捉えるのではなく、それくらい佇まいが気に入った植物を選び、一緒に暮らということに植物の魅力があります。手をかけ、愛情をかけることで、生き物としての植物の生命力に気づく。それが植物と暮らす醍醐味なのではないでしょうか。

汗ばむ盛夏になると、家のなかのラグの素材感が気になります。素足でさらりと歩きたくなるものがほしい。そう思っていた時に、横浜のインテリアショップ「black&white」でオーガニックコットンのラグに出会いました。縦糸にリネンを使い、コットンの横糸をしっかりと打ち込んでいる平織りのラグは、薄手で清涼感のある表情をもちます。軽やかなのでダイニングテーブルの下に敷く大判タイプでも扱いやすいのが特長です。

このラグは、スウェーデンのリーナ・ゼディとマーカス・オーレンの二人が立ち上げたデザインユニット「OYYO」が、インドの伝統的なラグ「ダーリ」の伝統技法を用いるラジャスタンの職人とつくったものです。black&whiteオーナーの福泉寛史さんは、「光を受けた時の色の美しさを楽しんだり、空間に景色をつくれるのがラグの良さ。OYYOのラグは薄手なので、敷いたままではなく、気分で動かしながら使ってほしいです」と言います。

OYYOのラグの魅力は、なんといっても植物の染料で先染めしたオーガニックコットンの色にあります。そしてグラフィカルなパターンは、インドの伝統的なパターンはもちろん、なんとバウハウスの時代のデザインを落とし込んだものといいます。そのためか、現代のインテリアにふさわしい表情をもちます。ニュアンスのある独特の配色と幾何学模様は飽きることがなく、木製の家具にもモダンなアイテムにも寄り添ってくれそうです。ちなみに、いまのところOYYOのラグコレクションを店頭で複数紹介しているのは、国内ではblack&whiteのみ。カタログやウェブ上ではわからない素材感や発色の美しさを確かめに、都内から店を訪ねてくる人も多いそうです。

福泉さんはプロダクトとしてのラグの魅力を感じ、直接OYYOにコンタクトをとって日本での取り扱いをスタートしました。交流を重ねるうちに、彼らがプロダクトとして魅力ある形をつくっただけでなく、生産のプロセスにも大きく関わっていることを知ります。

「優れた技術をもった織り手を支え、また化学的な負荷を環境にかけずに生産された素材やプロセスを選ぶことで、ラグを買う人もつくり手も生活が整っていくようなデザインを目指している。社会的なアプローチのプロジェクトだと気付きました」

店内には、福泉さんが“男前なデザイン”と評するポーリーン・デルトゥアはじめ、クリスチャン・メンデルツマ、マルティーノ・ガンパー、ピート・ヘイン・イーク、そしてブルレック兄弟らのプロダクトが、彼のフィルターを通してセレクトされています。現代に活躍するデザイナーが中心とはいえ、black&whiteにはここでしか感じることのできない“もの”の風景があります。それはデザイナーの考え方に共感したり、コンセプチャルな取り組みに惹かれたりしたことをストレートに表現するスタンスを福泉さんが大切にしているからではないでしょうか。

なかでも注目したいのは、OYYOのように社会的な取り組みをデザインに落とし込んだプロダクトです。たとえばリネンを原料の産地から加工方法までリサーチしているメンデルツマの「フラックスプロジェクト」もそのひとつ。また、ぺぺ・ハイコープの「ペーパーベースカバー」も福泉さんが大切にするアイテムで、使用済みのプラスチックボトルを花瓶として再利用するプロダクトであり、カバーの製造をインドのスラム街に住む人々に依頼し、貧困から脱却させることを目指す「Tiny Miracles FOUNDATION」の一環になっています。

2011年にオープンしたblack&whiteの店名は、照明から生まれる「光と闇」に由来するそうです。店内にはフロスのカスティリオーニの照明器具の中でも、ウィットに富むデザインでありながら、インテリアを豊かな光で満たすものをセレクトしています。

「もともと家具や雑貨のバイヤーを長年務めてきましたが、インテリアの中でテクニカルな領域だった照明器具についてきちんとお客様に説明したくなって、独立前に照明業界で勉強したんです。店を始める時も、大好きなアキッレ・カスティリオーニの照明器具を軸にインテリアアイテムを増やしていきました」

中華街も至近なことから周辺には駐車場も多く、地下鉄の駅からもアクセスしやすいところに立地しています。横浜散策の折にぜひ訪ねてみてください。家具から手に取りやすいテーブルウエアまで、福泉さんがこのデザイナーは！ との思い入れのあるアイテムのユニークさと、その背景に流れるストーリーの密度にきっと満足するはずです。

ファッションブランド「ミナ ペルホネン」のデザイナー・皆川明さんが、東京・青山のスパイラルビル5階に「call」をオープンしました。ファッションアイテムやオリジナルファブリックはもちろん、暮らしを豊かに彩る工芸品の比重がぐっと高まり、食材も扱うなど、より生活全般へと目を向けた新しいショップになっています。

これまでミナ ペルホネンでは、店舗の基本設計から素材選びや什器に至るまで、皆川さんが細やかに目を向けてきたといいます。しかしここは、皆川さんがいままで交流を重ねてきたクリエイターや作家とともにつくりあげた場。たとえば空間設計は、ランドスケーププロダクツの中原慎一郎さんに期待をこめてお任せしました。自身がファッションを表現するうえで、アートや工芸などの作家にインスパイアされることも多く、素晴らしいつくり手との交流を表現する場をもちたいと長年思い続けていた皆川さん。それを実現させた「call」という店名には、そのような人たちとつながりながらみんなで店をつくっていく“creation all”という意味と、皆川さんが共感するものづくりをする仲間を呼び寄せるというメッセージが込められています。

女性に向けたアイテムが中心のミナ ペルホネンにフェミニンな印象をもつ人も多いかもしれませんが、「call」には陶芸・木工・金工作家の作品をはじめ、男女問わず魅了される古今東西のアートピースやアンティーク、暮らしの道具が集められています。

服が並ぶメインフロアに足を踏み入れて、真っ先に目に飛び込んでくるのは冒頭の写真にあるシャンデリア。ガラス一枚一枚の表情とどこかアールデコを思わせる重厚さが新鮮な、ガラス作家・辻和美さんによる作品です。その下にはスウェーデン製のアンティークのコーヒーテーブルが。アノニマスなものと作家の作品、そして国境や時代もボーダレスなアイテムの連なりに目を奪われます。あらゆる要素が混在しながらも不思議な一体感のある店内に、ミナ ペルホネンというブランドのものづくりを通して、暮らしを豊かに彩るものを追求してきた皆川さんの審美眼が、すみずみまで通っていることにあらためて気づきます。

ドイツ製の一点もののペーパーナイフや、ネジも溶接もしない職人の仕事が光るヴェネツィアの眼鏡店「micromega」のアイウエアなど、作家性や工芸的な性格をもつヨーロッパのものの一部は、皆川さんが親しくしてきたベルリン在住のキュレーターが買い付けてきたものといいます。そして、伝統的な技法で製造されているドイツ製のカヌーがディスプレイされたコーナーは、男性にとって遊び心をくすぐられる一角ではないでしょうか。その下にさりげなく置かれたガラスブリックもル・コルビュジエの建築に使われたギュスタフ・ファルコニエの作品で、工芸的な表情がインテリアオブジェとして魅力を放ちそうです。

ヴェネツィアのマーブルペーパーで装飾したノートと鉛筆は、皆川さん自身が旅先で出会ったアイテムの一部とか。ものの背景をひとつひとつ聞いていると、ストーリーを引き継ぐことがものを手にする喜びの一部であることをより強く感じます。

皆川さんが長年交流してきた木工家・三谷龍二さんと陶芸家・安藤雅信さんには、オブジェやアートピースなど一点ものを中心に参加してもらったといいます。ほかにも、沖縄の風土を表す力強い作風で知られる陶芸家・大嶺實清（おおみねじっせい）さんや、木の個性を引き出す鹿児島の木工家・盛永省治さんなど、男性にも人気の実力派作家の大作や逸品を手にすることができるのも、特筆すべき点でしょう。

日常づかいの器も充実していて、皆川さんが提案した3種類のモチーフをイタリアの職人がダークブルーで絵付けした、リチャード ジノリのミナ ペルホネン限定シリーズや、ジオ・ポンティがデザインしたカトラリー、そしてミナ ペルホネンオリジナルのプロダクトも揃います。ジノリの器では、職人の手がまだ慣れていない朝一番に描くことを皆川さんから工場に依頼しているとか。長年信頼関係を築いてきたからこそ、プロセスから相談できる。これ以外にもcallに並ぶものの魅力の背景には、人と人とのつながりと緻密な手仕事のストーリーが流れているものが少なくありません。

めくるめくものづくりとものがたりの世界を体感したら、カフェ「家と庭」で一服しましょう。ここでも、ハギレを生かしてプロダクトを生み出すなど、皆川さんが生産のプロセスで大切にしている姿勢が投影されています。例えばメニューにスープを採用しているのは、野菜の見栄えが悪くても生かせることや、半端が出てもスープストックとして素材を活かしきれるから。ちなみに、家と庭で供されるスープの素材である野菜や調味料は、供するコーヒーやナチュラルワインとともにショップで販売しています。

カフェを出たらオリジナルモチーフ“tambourine”を写した多治見焼のタイルを施工した壁やオリジナルカーペット、そしてストックホルム在住のイラストレーターでグラフィックデザイナーのヘニング・トロールベックさんによるエレベーターホールの壁画など、こだわり抜いた空間のディテールも見逃さないよう！　新しいものづくりの殿堂の揺るぎない力に、ぜひ触れてみてください。