イギリスで1970年代に出現したファッションに、破いた服を安全ピンで留める「パンク」がある。いわゆるストリートスタイルの代表格だが、意外にもこれはデザイナーズウエアだった。ヴィヴィアン・ウエストウッドとマルコム・マクラーレンがデザインする服の店の常連客だった若者たちが、マクラーレンのプロデュースによりバンド『セックス・ピストルズ』を結成。彼らの衣裳がパンクスタイルの典型になり世界中に広まったのである。こうした直接的な例にせよ間接的にせよ、デザイナーのクリエイションと時代は深く結びついている。日本における “デザイナー（発信者）” と “服を着る人（消費者）”の両面にスポットを当て、半世紀以上に及ぶ我が国のファッション文化を総括したのが、大規模展覧会『ファッション イン ジャパン 1945-2020 ―流行と社会』（以下、ファッション イン ジャパン）である。

一般的なファッション展覧会はマネキンに着せた服がただ並び没入感に乏しかったり、観客に相応の予備知識が必要なケースが多いもの。しかしファッションインジャパンには来場者を飽きさせない工夫がある。少女ファッションイラストの元祖である中原淳一が発刊した雑誌が中原デザインの服と共に置かれ、アイドル時代の小泉今日子が着た中野裕通デザインの衣裳が並ぶ。世界に轟くコム デ ギャルソン、現代日本を代表するサカイやアンダーカバーのマネキンの狭間に、コギャルのルーズソックス、ガングロギャルの写真、学生服のヤンキーのマネキンが顔を出す光景に思わずニヤリとさせられる。「これぞ日本のファッション」と膝を打つ展示が次々に目の前に現れる。

デザイナーズ以外の服、小物、資料も多数集められ、我が国のアパレル各社が総出で協力したことが伺えるラインアップだ。デザイナーズブランドにあまり知識がない人も、自分とは無関係と思っていた人もきっと楽しめるだろう。その詳細は次ページ以降にて。

ファッション イン ジャパンの会場構成は、時系列に沿っている。戦前にはじまり、2021年現在で締めくくられる。10年ごとに部屋がわかれ、その時代のファッションを多角的に眺められる仕組みだ。ただしこの記事では展覧会のガイドになるように、“大衆の流行” と “デザイナーズ” にわけて紹介する。まずは流行から見ていこう。大人男性が必見なのは、60年代アイビーの貴重なアーカイブ。その後の長い年月を経て日本スタイルとなるほどアレンジされた「アメトラ（アメリカントラッド）」は、いまや世界のお手本だ。そのルーツをここで伺い知ることができる。

80年代のヤンキーや90年代のギャルも、日本独自の精神性や美意識に基づく個性的なストリートスタイル。“ストリート” の言葉の定義はあやふやだが、「ある共通性を持つ若者集団が記号的に着る日常ファッション」と考えていいだろう。パンクのように創造的なデザイナーの手によるものもあれば、ヤンキーやギャルのように自然発生的にローカルなものもある。そのスタイルを好むデザイナーが自身の作品性とミックスさせると、単なるサンプリングを越えたオリジナルの日本モードになっていく。

スマホが急速に普及する2000年代以前に（iPhoneの登場は07年）、ファッションの普及や流行に大きく貢献したのが雑誌メディアだ。膨大な量の情報を一冊に詰め込み、皆が真剣に “お勉強” する教科書になった。街の声をいち早く吸い上げ誌面に反映させる、大衆ファッションの国ならではの誌面づくりも特徴だ。ファッション イン ジャパンではさまざまなファッション誌が展示されているが、中でも目を引くのが「フルーツ」。個性的な若者を原宿でスナップしてきたインディペンデント誌だ。アパレルの未来を担うファッション専門学校生のバイブルだった。そのフルーツが21年間の発行期間を経て17年に休止したのは、ユニークな服装の若者が姿を消したことが理由のようである。情報収集ツールが雑誌からインスタグラムらの個人発信メディアに移り変わったことも関係しているだろう。

日本のデザイナーズと、パリやミラノとの大きな違いは何だろうか。ひとつは日本に老舗と呼べるブランドがないこと。化粧品、バッグ、インテリアを含めたライフスタイル全般を手掛ける高級ブランドがない。デザイナーは自ら会社を立ち上げオーナーとして自身のブランドの運営もデザインも自由に采配してきた。その活動を支えてきたのが階級社会でない我が国の社会構造だ。ヨーロッパのクリエイションは上流階級をターゲットにしてきた。日本のデザイナーはヒエラルキーの上層にいる人の装いである夜のイヴニングドレスやフォーマルウエア、立派なビジネスウエアにはさほど目を向けず日常着に力を注いだ。価格も高価すぎず、トップデザイナーの服でも少し頑張れば学生でも購入できた。ルールや制約から解放されたクリエイティブな服を大衆が着て生活してきたのが、世界的にも稀な日本の近代ファッションヒストリーといえるだろう。

ファッション イン ジャパンでもっとも面積が広い会場が、国内デザイナーが大活躍しファッションブームが沸き起こった80年代ルーム。その観点でいうと10年代の部屋がもっともコンパクトである。優れたデザインはあっても80年代ほど大衆文化とはリンクできなかったようだ。市場を席巻したのは薄利多売のファストファッション。デザイナーには厳しい時代だった。

その先の20年代へと続く会場「未来へ」は、80年代と並ぶ大部屋。たくさんの現代の服が並ぶが、女性の活躍をテーマにジェンダーレス時代を表現したコム デ ギャルソンにもっとも力強さを感じるのは致し方ないところか。ほかの並びは知る人ぞ知るブランドが大半で、その服も街の空気とはつながっていないようだ。バンドのサカナクション、元欅坂48の平手友梨奈といった有名人と組んで広くモードを伝えようとするアンリアレイジのような社会性のあるブランドが増え、シーン全体が盛り上がることを期待しよう。

現在は世界のモードブランドがダイバーシティを掲げ、日本ブランドのように大衆化してきている。海外ブランドはタレントや俳優をアンバサダー（宣伝モデル）に雇い、売上を伸ばすことに積極的だ。近代日本の象徴だった“カワイイ” 文化もどこかへ消え去り、 ファッション好きの人の数も減っているとされるなかで、我が国のブランドも新たな発信力が必要なのかもしれない。

ファッション イン ジャパンの現代エリアで、タウンスタイルではないがコスプレが取り上げられていなかったのは少々意外だった。任天堂のゲームソフト『あつまれ どうぶつの森』はキャラクター衣裳としてグッチ、バレンシアガ、セリーヌらがデザインを提供するほど注目されているメディアだ。ヴァーチャルとリアルを行き来する世界も、ますます重要なファッションフィールドになっていくに違いない。

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