1960年代にはモデルとして活躍していたサラ・ムーン。多くの写真家に出会う中で、自らカメラを手に友人たちを撮り始めるとすぐ、写真撮影の依頼を受けるようになった。　

作品制作を始めたのは85年。以来、モデルやファッションを撮影し、モード雑誌のグラビアを飾ってきた。　

被写体の人生そのものは写せない。だから感じ取った瞬間が幻のように消滅してしまう前に、と、彼女は自身の物語で被写体を捉え続ける。　

活動を支えるのは、「ストーリーを語ること」への尽きない興味だ。
「物語を語る時には主題を拾い上げ、感じたことを作品に込めて語ります。そうすることで、ある意味、別のものになっていくのです」　

ムーンはこうも語る。
「写真に表現できるのは、見るという経験を通して自分が感じるエコー（こだま）であり、現実とは異なる世界。自らの人生を語り始めたら、それはもうフィクションであるように、物事はいったん語られると別の物語に変容してしまうものなのです」　

近年、加わったのは無機質な港の風景だ。「機械しかなく、人間の姿はどこにもない港は、ノー・マンズ・ランド（無人地帯）の象徴のよう。出ていく船もなく、実にミステリアス」と、クレーンやコンテナ、工場が立ち並ぶ港をしばしば訪れている。　

今回はこの展覧会のための新作や日本初披露の作品を中心に、日本の港を撮影した作品も含め、ムーン本人が構成した。確かに存在した瞬間を捉えながらも、表現者ムーンの感情や情動を通して描写された世界はそれぞれに儚さや脆さ、詩情に包まれ、観る者との新たな響き合いをもたらす。　

捉えられた一瞬の表情と空気。作品を通して浮かび上がる瞬間、時の流れ。時間の不確実さに紡がれる美の深さを堪能したい。

再びジャズが元気だ。ロバート・グラスパーら、ヒップホップ以降のジャズ。ケンドリック・ラマー「ToPimpaButterfly」などに見る、ヒップホップ側からの反応。1917年の誕生から100年を経てもなお、ジャズは新しい表現の起爆剤となりえている。　

そんななか、ジャズのルーツを感じさせる骨太な一枚が登場した。70年代NYのロフトジャズシーンに現れ、豪快なプレイが魅力のサックス奏者、デヴィッド・マレイの５年ぶりの新作だ。　

最初の一音から、グッと耳を持っていかれる。マレイの吹くテナーサックスは、力強くあたたかい。たっぷりと息を吹き込み豊かなビブラートを聞かせる中音、「バッ」と破裂音を含んだ迫力の低音、キリキリと鳴くフラジオ（高音部の特殊奏法）まで、20世紀に探求されたサックスの可能性を凝縮したようなプレイ。そこに、歌心が加わる。2013年のフジロック出演で会場を沸かせたように、そのプレイはジャズファン以外にも届く懐の深さがある。　

さらに本作では、NYのスラム詩人ソール・ウィリアムズを大胆にフィーチャー。美しいメロディのバラードにハードバップ、ファンクやブルースまで、多彩な楽曲群にポエトリーリーディングが重なり、緊張感を持ち込んでいる。黒人思想家であり詩人のアミリ・バラカやイシュメール・リードとのプロジェクトも行ってきたマレイは、こう語る。「彼の言葉は激しいが、先見の明がある。私はいつも、音楽を通じて詩人のビジョンをより明瞭に伝えられるように努力している」　

ジャズを100年生かし続けた燃料の一つが人種間の緊張関係であるとすれば、現代でジャズが再び活性化するのも頷ける。才能との出会いを薪として燃焼するマレイの咆哮、ぜひ大音量で。

その昔、時の政権に歌で異を唱えたがゆえに、ヴィクトル・ハラは命を落とし、カエターノ・ヴェローゾは投獄され、ミリアム・マケバは亡命を余儀なくされた。これらは極端な例だが、歴史を通じてミュージシャンたちは言葉と音でポリティカルな意思表示をし、場合によっては為政者が脅威を感じるほどのインパクトを与えてきた。ならば、なにをもってポリティカルな音楽と呼ぶのか？ 本書からは、さまざまな形の差別、搾取、自由の制限、不公正を糾弾し、議論する場をつくり出して変革を求める音楽――というラフな定義が浮かび上がる。　

もっとも、これはガイドと銘打っていながら系統立てたマニュアルの類ではなく、呼びかけ人のアーティスト兼作家ステファン・ジェルクン他、23人の選者によるプレイリスト集だ。おもに、イギリスのアンダーグラウンド・カルチャー界で長年活動する著述家やDJが、自分になんらかの政治的な影響を与えた曲をセレクトし、解説を添えている。本書がイギリスで出版されたのは2011年だが、邦訳に際して、日本からさらに10組の選者が参加。各人の出自や嗜好を反映させたセレクションの切り口は十人十色で、2000年代のヒップホップに特化したり、イタリアの左派運動に関わる曲に特化したり……。総じてマニアックでランダムであるがゆえに、ジャンルや題材が幅広く網羅されており、表現方法の多様さに驚かされる。　

日本版登場の時期も悪くない。不穏な世界情勢を受けてミュージシャンはポリティカルな志向を強めており、ここに紹介された500近い曲には、現在も有効なものが多々ある。変わらぬ世の中を嘆かずにいられないが、同時に、投獄などされることなくこういう音楽を鳴らす権利、つまり表現の自由のセレブレーションとしても、説得力あふれる一冊だ。

『ダンガルきっと、つよくなる』は、「インド映画で世界興収ナンバー1」「昔、レスリング選手であった父が娘に夢を託し国際大会の金メダルを目指す物語」と、事前に断片的なデータを知らされていた。　

インドの国民的スター、アーミル・カーンの主演作は 『きっと、うまくいく』、『PK』を観ていた。傑作だった。故に「きっと、面白くなる」ことは確信していたが、レスリングを題材にエンタメが成立するのかは疑問があった。レスリングはルールの専門性が高く、日本女性が最も実績のある五輪大会ですらも「面白さ」からは遠いという先入観があったからだ。　

試写後、この予断は見事に覆され、すぐに惹句を書いた。「インド人以外もビックリ! !誰が見ても文句なく映画の金メダルを差し上げるだろう」　

テンポ良い達者な語り口、大地と大自然を画角に取り入れた映像は眩いばかり。伏線の回収も見事だ。実話ベースのスポ根物語だが、娘が強くなる過程で父の手を離れ、ナショナルチームに預けられ……陰謀に巻き込まれる。　

試写から数日後、文春砲が国民栄誉賞、伊調馨と日本レスリング協会のパワハラ醜聞を報じ、唖然とした。なぜなら、それはこの映画の物語の展開に酷似するからだ。映画と現実の共時性は起こりうる。たとえばアカデミー脚本賞を受賞した『スリー・ビルボード』を日本で観た人は、誰もが貴乃花と相撲協会の争いを連想してしまう。そしてこのインド映画を観て、現在の日本の女子レスリング協会の騒動を連想しない人はいないだろう。　

映画は、国を超えて同時多発的に起きる事象を図らずも暗喩してしまう。故に「虚構でありながら現実、実話でありながら寓話」なのだ。「ダンガル」の意は賞金を懸けたレスリング試合のこと。賭けてもいい、この映画は日本でも当たるだろう。

「写真都市展」――タイトルを聞いただけで、その中身が気になってしまう展覧会だ。この企画展のディレクターは、美術評論家で東京藝術大学の教授、伊藤俊治。彼は問いかける。「写真は、もはや地球というスケールを飛び越え、新しい星のようになってしまったのではないでしょうか」と。そして、写真が誕生してから約2世紀が過ぎようとしていることを踏まえて、壮大なビジョンとコンセプトを語る。

「この間に生み出された写真は天文学的な数におよび、特にデジタル・テクノロジーやネットワーク・メディアの革新が連鎖した20世紀末以降、その膨大なイメージはいまや粒子化した圏（スフィア）となり、地上のあらゆる光景を記録するもうひとつの次元をつくり出しているかのようです」　

今回はこうした考えのもと、20世紀を代表する写真家のウィリアム・クラインの写真をスタート地点に据えて、未来への都市ビジョンの変遷を、ダイナミックなスタイルで見せていく。クラインとさまざまな形で競演するのはアジアの若い作家たち。石川直樹、勝又公仁彦、沈昭良、須藤絢乃、TAKCOM、多和田有希、西野壮平、朴ミナ、藤原聡志、水島貴大、森永泰弘、安田佐智種である。　

クラインは1928年、ニューヨーク生まれの写真家であり映画監督でもある。またデザイン、ファッションなどジャンルを超えて活動してきた20世紀を象徴する存在である。　

写真集『ニューヨーク』（56年）で写真家として鮮烈にデビューして以来、多くの作家や人々に影響を与えてきた。クライン自身はこう言っている。「絵を描くこと、映画を撮ること、写真を撮ること――表現の方法は違っても、それらはいつも私の自写像である」　

夜空の星々の瞬きのような、クラインと若手作家たちの光と影の饗宴が繰り広げられる。